Couleur et paradoxe

"L’artiste est la main qui, par l’usage convenable de telle ou telle touche, met l’âme humaine en vibration".

"La couleur est donc un moyen d’exercer une influence directe sur l’âme. La couleur est la touche. L’œil est le marteau".

Kandinsky in, Du spirituel dans l’art

1.L’expression de surface

Qu’attend t-on de la couleur ?

"Chacun sait que le jaune, l’orange et le rouge donnent et représentent des idées de joie, de richesse". Descartes


Tout serait dit.
La Couleur, prise dans son acception la plus générale, aurait une finalité bien définie.Un usage prédéterminé. Un effet "attendu "

Tel code-couleur renvoie effectivement pour nous autres spectateurs, à un certain nombre de codes-émotions que nous avons, sans réellement le savoir, intégrés.



Berthe Morisot-Jour d'été - 1879

Un atmosphère tranquille ressort sans nul doute de cette toile. Les multiples variations chatoyantes de vert permettent presque d'humer un peu des parfum fleuris émanant de la nature environnant les deux protagonistes.
La scène dépeinte est calme et les couleurs utilisées douces...

Quelques postulats de départ alors? Le rouge exprimerait la passion, la chaleur, le bouillonnement alors que le bleu serait prisé pour ses qualités apaisantes…A l’opposé des tons vifs, il serait une couleur « froide ».

Il est vrai que nombre de tableaux et autres oeuvres de l’esprit se réfèrent à cette palette "picturo-émotionnelle ".
L’artiste par l’emploi de tel ton, telle nuance, telle coloris pourra s’assurer qu’il apportera à son trait le code-émotion qu’il entendait transmettre au spectateur.

Il serait trop long de lancer ici une exhaustive rétrospective de l’usage de la couleur à travers les ages…Elle traduit tant que le sujet à lui seul prendrait des pages d’écriture entières sans que notre soif de compréhension soit pleinement satisfaite.

Non ce premier point n’est en réalité qu’introductif à mon second angle de réflexion que voici.


2. L’expression inversée

Que n’attendons-nous pas de la couleur ?

A priori du moins?
Qu’elle bouleverse le schéma chromatique si communément répandu…Qu’elle trahisse cette palette picturo-émotionnelle ci-dessus déjà évoquée…Quoi le bleu, un ton violent ? Le rouge, un univers de quiétude ?

La couleur surprend, joue des tours, se libère…Elle se re-découvre au gré des désirs de l’artiste et devient paradoxe.

Cela n’est devenu possible que parce que de par l’apparition de la photographie "le tableau […]cesse d’imiter la nature pour exprimer une nécessité intérieure " Jean Lacoste in La philosophie de l’art.
La photographie a "donn[é] aux peintres un œil neuf, libéré des préjugés " in, cf infra

La peinture puisqu’elle n’a plus à représenter le vrai devient donc autonome et surface colorée.
Il est donc désormais plus aisé de prendre à contre-pied les attentes des spectateurs pour mieux les magnifier.

Plusieurs des toiles de Viggo Mortensen procèdent de l’ inversion dont traite le titre de cette seconde partie.

Pour ne citer que deux d’entre elles, Entierro,2000 et Isolation, 1999, l’étude de cette dernière étant abordée dans le topic "l’art en transversalité" p.6 et suivantes.

De prime abord, les tons employés sont agréables. Variant du rose vif dans "Isolation "au rose pastel dans "Entierro", les couleurs sont à la fois vibrantes, chaleureuses et semblent pouvoir évoquer à nos sens des émotions que l’on pourrait qualifier de positives.

Douceur, clarté, couleurs a priori exaltantes, certes mais ces toiles se dévoilant au regard, révèlent des sensations bien plus dérangeantes.

La palette chromatique proposée est audacieuse. En effe VM traduit par un bleu profond, l’accablement de son personnage -in Isolation-. De même, par des tons violacés, il fait surgir l’inquiétude et la nervosité. Le rose bien qu’atténué, n’en est pas moins dérangeant - in Entierro-

La tension se dégage du trait. La couleur catégorisée « apaisante » devient malaise.

C’est ici donc qu’intervient l’inversion, c’est en cela que l’œuvre acquiert, selon moi, une dimension supplémentaire.



Ce n’est qu’une trame de réflexion…A suivre ...

Merci Daudie pour ce post édifiant... ça valait le coup d'attendre

Je finis la trad de March et je relance là dessus

Mon Dieu, que de choses à dire sur la couleur... alors voilà ce que j'envisage de poster, au gré des instants que m'accordera ma conscience rabat-joie entre 2 révisions de Capes...

Avant de te suivre sur l'usage de la couleur chez Viggo, Daudie, je voudrais qd même approfondir ce qu'en dit Kandinsky - sans le polluer, promis, de mes opinions que tu connais - vu qu'il est qd même celui qui a à la fois révélé et bouleversé les codes coloriels et ouvert la voie à tout un pan d'art moderne.
Ensuite je voudrais citer quelques réflexions de Cézanne que je trouve TRES instructives, d'abord parce que, en tant que peintre (enfin, barbouilleuse) je ressens totalement ce qu'il dit, d'autre part parce que, d'une certaine manière, il est lui aussi un précurseur de l'art moderne dans l'usage de la couleur - je dirai pourquoi;
Enfin, je posterais bien quelques anciennes rélfexions personnelles sur la naissance de l'art abstrait... plus tard...

Rappel de la démarche de Kandinsky


Kandinsky peut être considéré comme l'origine de l'art abstrait, non seulmt pcqu'il est le premier à aboutir à une vision abstraite consciente et non passagère, mais surtout parce qu'il est le seul parmi les pionners à ne pas avoir été retenu par le cubisme.

Kandinsky mise sur la couleur en tant que moyen d'expression complet. La couleur en tant qu'expression de la "nécessité intérieure".

Tout en se cherchant, l'art abstrait doit plaider sa cause. Ses premiers maîtres tentent donc de prendre du recul par rapport à leurs propres actions. Leurs écrits, destinés à l'origine à éclairer leurs oeuvres, finalement les complètent, car ils dévoilent la matière première à partir de laquelle l'art abstrait s'élabore.

Il y a dans l'avènement de l'art abstrait un ordre logique profond. Ainsi la première oeuvre abstraite de Kandinsky sera une aquarelle et non une peinture à l'huile. Spontanéité, rapidité d'exécution => affranchissement. La main distance l'esprit.

Du Spirituel dans l'Art (1970) est un exposé sobre et objectif de son aventure. D'un côté, insérer l'art abstrait ds la culture de l'époque; de l'autre, expliquer au lecteur l'attitude du peintre abstrait.

Il est persuadé qu'un grand tournant spirituel caractérise le nouveau siècle. "L'âme" est en train de "revenir à soi" après "l'écrasante oppression des doctrines matérialistes" :

" l'art entre ds la voie au bout de laquelle il retrouvera ce qu'il a perdu, ce qui redeviendra le ferment spirituel de sa renaissance. L'objet de la recherche n'est pas l'objet matériel, concret auquel on s'atachait exclusivement à l'époque précédente - étape dépassée -, ce sera le contenu-même de l'art, son essence, son âme..."

K. est persuadé que c'est la "puissance d'émotion" qui rend valable le message de l'artiste. Voit le noyau de l'oeuvre d'art dans la "nécessité intérieure", et considère les couleurs et les formes elles-mêmes comme les moyens les plus conformes à celle-ci, les plus purs quant à l'expression picturale d'une émotion.

=> le peintre doit donc (selon lui) prendre conscience des propriétés spécifiques de la couleur et de la forme.
Correspondances spirituelles: "La couleur recèle une force encore mal connue mais évidente, réelle, qui agit sur tout le corps humain".

=> il fixe l'action de chaque couleur en soi, puis s'étend sur les possiblités d'accord entre forme et couleur. En voici qqs exemples:
" Des couleurs "aiguës" font mieux ressortir leurs qualités dans une forme pointue (p. ex. le jaune dans un triangle). Les couleurs profondes se trouvent renforcées (...) par des formes rondes. Le bleu, par exemple, dans un cercle."

Il y a passage "du matériel au spirituel". Disparition des catégories cérébrales sous le poids de la réaction immédiate du sens.

Ainsi Kandinsky tente de donner des assises à l'art abstrait en rationalisant l'expérience intuitive de la couleur.
Je ne posterai pas ici ce que je pense de cette radicalisation, mais la démarche est intéressante en ce qu'elle s'inscrit dans tout un mouvement de libération de l'art qui voit au même moment fleurir la rationalisation de la forme, avec Mondrian, Malévitch, etc, qui pousseront la démarche jusqu'à l'abstraction totale... Tout cela s'inscrit dans une évolution parfaitement logique.

Intéressant aussi de se pencher sur cette "théorie de la couleur", dans la mesure où certains artistes comme Viggo Mortensen ont su, commele faisait remarquer Daudie, s'affranchir de ces "catégories" et procéder à une inversion spectaculaire.

On le voit, l'artiste authentique est bien celui qui, à n'importe quelle époque, bouleverse les codes que l'on croyait établis (fussent ils ceux-mêmes issus d'une révolution) pour ré-inventer l'art...

" Le dessin et la couleur ne sont point distincts; au fur et à mesure que l'on peint l'on dessine; plus la couleur s'harmonise, plus le dessin se précise. Quand la couleur est à sa richesse la forme est à sa plénitude. Les contrastes et les rapports des tons, voilà le secret du dessin et du modelé."

"Peindre, c'est saisir une harmonie entre les rapports nombreux, c'est les transposer dans une gamme à soi, en les développant dans une logique neuve et originale."

" Le lumière et l'ombre sont un rapport de couleurs, les deux accidents principaux diffèrent non par leur intensité générale mais par leur sonorité propre."

" L'ombre est une couleur comme la lumière, mais elle est moins brillante; lumière et ombre ne sont qu'un rapport de deux tons."

" Il n'y a pas de ligne, il n'y a pas de modelé, il n'y a que des contrastes. Ces contrastes, ce ne sont pas le noir et blanc qui les donnent, c'est la sensation colorée."

" Du rapport exact des tons résulte le modelé. Quand ils sont harmonieusement juxtaposés et qu'ils y sont tous, le tableau se modèle tout seul."

et enfin...

" Car si la sensation forte de la nature - et certes, je l'ai vive - est la base nécessaire de toute conception d'art, sur laquelle reposent la grandeur et la beauté de l'oeuvre future, la connaissance des moyens d'exprimer notre émotion n'est pas moins essentielle et ne s'acquiert que par une très longue expérience."


De telles paroles de maître ne peuvent que nous inciter à prendre les pinceaux... hein Tinuv et Lovy?

Quelques commentaires et pistes de réflexions (euh, surtout pr moi... j'ai l'intention de creuser ça plus tard)


On le voit par les citations ci-dessus, Cézanne était étonnament moderne pr son époque.

- modernité déjà par l'importance accordée au présent. Par opposition au Classicisme qui représentait des scènes du passé, bibliques ou mythologiques, Cézanne s'attache à souligner qu'il y a une valeur, une beauté du présent, et de la réalité telle qu'elle est....
Sans doute parce que le beau est "l'union d'un élément éternel et d'un élément temporel" (Baudelaire)

- Mais Cézanne va plus loin. Il recherche "l'instant du monde", la vérité d'une genèse du monde. Ce qui est moderne c'est que, du coup, l'oeuvre acquiert une valeur en tant que telle. Il y a reconnaissance de l'oeuvre comme oeuvre, mais en même temps elle est elle-même la vérité génésique du monde; ce qui fait d'elle non plus une "créature", mais bien une "création" (Cf Le chef d'oeuvre inconnu de Balzac - aaaaaaaah, ce texte... tout le monde devrait l'avoir lu!!!)
Bien plutôt que d'imiter la nature, Cézanne a cette prétention folle, invraisemblable, mais qui est peut-être celle de tout artiste: imiter l'acte de nature lui-même, c'est-à-dire le nascor et non pas le natura.

- Cézanne précurseur de l'abstraction (cf son moment expressionniste): par l'importance accordée à la sensibilité subjective de l'artiste. Cf les dernières "Montagne Ste Victoire": présence de vert (par ex.) dans le ciel; la forme, l'apparence réelle de l'objet n'ont plus autant d'importance.
En fait, il y aura ensuite glissement impressionnisme ---> expressionnisme ---> abstraction... la forme n'importe plus puisque le visible peut suggérer au peintre des visions qui n'en sont plus la reproduction fidèle et qui n'appartiennent qu'à lui seul. Mise à l'extérieur d'une intériorité subjective. (hallucinations de Max Ernst, Kandinsky...)



(avertissement: dans ce qui suit, je décolle vraiment... ...... mais je me lance des pistes de réflexion pour plus tard !!!)


- ==> il y a contradiction !!! Impressionnisme -> importance attachée à l'apparaître subjectif de l'objet, la vérité subjective d'une impression, d'une perception... On cherche à atteindre la vérité objective de cette impression subjective! De plus la recherche se situe dans l'objet!

=> finalement, l'artiste recherche la vérité de l'absolu dans sa propre subjectivité. (cf balzac: il s'agit de "forcer les arcanes de la nature", de "forcer le secret de Dieu"... l'artiste se sent porteur de l'absolu.

[ d'où, dans la modernité, avec Baudelaire, l'importance attachée à l'imagination (faculté subjective par excellence) et non plus seulment suivre l'art des écoles. Balzac: même idée: "il ne suffit pas pour être un grand poète de savoir à fond la syntaxe et de ne pas faire de fautes de langue". ]

=> thème du Doute de Cézanne. Comprendre ce que Merleau-Ponty appelle le "suicide de Cézanne":
- cherche la vérité génésique, objective, de l'apparaître de l'objet (son ex-sistere révélant, peut être, son esse)
- MAIS ceci au sein même de l'émergence de la sensibilité de l'artiste.

=> échec ou génie?

=> Ce dilemme ne peut il pas étre considéré comme celui de l'art tout entier?

Pour situer, une des toiles du maître :




Paul CEZANNE, La montagne Sainte-victoire au grand pin, 1886-1888

Quote :

la forme n'importe plus puisque le visible peut suggérer au peintre des visions qui n'en sont plus la reproduction fidèle et qui n'appartiennent qu'à lui seul. Mise à l'extérieur d'une intériorité subjective.

Et Klee de rajouter que " l'artiste n'accorde pas aux apparences de la nature la même importance contraignante que ses nombreux détracteurs réalistes. Il ne s'y sent pas tellement assujetti, les formes arrêtées ne représentant pas à ses yeux l'essence du processus créateur dans la nature. La nature naturante lui importe davantage que la nature naturée." in Théorie de l'art moderne


A suivre dans " Art en transversalité"...

En effet Daudie. Pour compléter, je me permets de rajouter qqs oeuvres de Cézanne. Il est surtout connu pour ses "Montagne Ste Victoire", paysage qui l'a obsédé toutes sa vie et dont il a peint de multiples variations, à l'huile ou à l'aquarelle.

Je ne posterai ici que mes préférées, dans l'ordre chronologique afin de pouvoir suivre l'évolution vers l'abstraction dont nous parlions plus haut.

La Ste Victoire postée par Daudie est une des premières. Le trait est encore précis mais on discerne déjà cette formidable intuition de la couleur chez Cézanne; cet espèce de toucher pictural qui fond les couleurs les unes dans les autres et nous fait pénétrer à l'intérieur de son tableau comme si celui-ci était l'atmosphère-même que nous respirons.

A la même époque, il peignit ceci:


Mont. Ste Victoire vue de Bellevue, 1887.

De la tache de lumière sur l'arbre au moutonneux du ciel, tout annonce le génie coloriste de Cézanne (songez à ses citations postées plus haut). C'est de l'impressionnisme sans en être; on dirait mieux peut-être un certain "sensationnisme"...




Mais voici quelques unes des MSV suivantes, où l'on voit que Cézanne, dans sa recherche de "l'instant du monde", s'achemine de plus en plus vers l'abstraction et finalement, peut être, vers l'apparaître subjectif de l'objet...


MSV 1890



MSV 1900



MSV vue des Lauves, 1902-1906



MSV vue des Lauves, 1904-1906



MSV vue des Lauves, 1906




Et pour finir, je ne résiste pas au plaisir de vous poster mes préférées de Cézanne (bien que le choix soit difficile) qui datent plutôt de sa première période mais que je trouve proprement géniales:



Lac d'Annecy, 1896



L'Estaque, 1882-85



Nature morte avec pommes, 1993-94


Fabuleux, non?

Quote :

La nature naturante lui importe davantage que la nature naturée

c'est je crois, exactement ce que je voulais dire plus haut en parlant de la tentative de peindre le "nascor" plus que le "natura".
A moins que tu n'aies voulu dire autre chose?

Merci Wae pour cette invitation au coeur de l'oeuvre de Cézanne. Très pertinente, ton analyse des peintures du maître vaut le coup d'être creusée.

Pour ce qui est de la nature " naturée " et " naturante", la distinction ici opérée reprend tout à fait celle que tu effectues toi-même dans un de tes précedents posts.

A nos plumes alors, le sujet mérite que l'on s'y attarde encore!

Effectivement, invitation à la réverie et au vagabondage... Magnifiques toiles, Waé.

Merci Waënelin pour les toiles de cézanne c'est un pur bonheur